由臺北市政府文化局所主辦的城市音樂品牌「臺北音樂不斷電」今（2021）年首度打破實體活動框架，舉辦「新生活．新態度」線上交流節，其中的「新思維—國際論壇暨工作坊」，是由臺、日、英、美，4國共10位專業工作者與學員們跨越空間及時區的限制共同交流，已於順利8月26、27日兩天順利落幕。
「新思維—國際論壇暨工作坊」共分成26日的3場國際論壇與27日的2場工作坊，第一場論壇以「現場互動視覺再現」為題，主持人、臺北科技大學互動設計系教授曹筱玥以「2020年VR頭銜熱銷超過640萬」開場，美國The New School動態互動與資料設計師Emily Chu與美國Strangeloop Studios共同創辦人Ian Simon都共同提到，演唱會上的新興科技應用都是為了增加互動體驗。
Emily Chu喜歡透過光雕、色彩增加互動體驗，在她參與籌辦的2021年美國西南偏南音樂節（SXSW 2021），就設計了「Perspective Note」互動頁面，觀眾可以在其中分享「現在的音樂是什麼顏色」的感受。Ian Simon則擅長VR，並創立虛擬藝人廠牌SPIRIT BOMB，他認為VR與實體活動，都是要透過說故事的能力，讓來自四面八方的參與者身歷其境。
「線上演唱會的未來」論壇由探照文化創辦人、文化部流行音樂產業推動委員會委員李明璁負責主持，數位化的串流音樂已經改變聆聽與創作習慣，但一群人集體在特定時空感受音樂的演唱會，仍是重要的儀式。對談的Overview Ark、Mirocolabs執行長Roman Rappak線上演唱會並非要取代實體活動，而是針對無法到場的歌迷，在實體之外創造新的體驗，也拓增了新的受眾。
Roman Rappak同時是樂團Miro Shot的主唱，於2017年發行首張專輯《CONTENT》，並舉辦了世界第一場沉浸式多感官VR/AR演唱會。參與者在現場頭戴VR頭銜，VR內包含太空、海洋等場景，參與者宛如飛行其中來感受音樂，結合VR的線上演唱會不只吸引藝術創作者，也讓喜歡電玩的Z世代感興趣。他鼓勵，臺灣這幾年的電玩遊戲產業蓬勃發展，演唱、遊戲與科技產業應加強合作。
「下一個時代的展演場館策略」論壇則討論音樂展演場館的經營策略，負責主持的獨立音樂資深企劃陸君萍拋出疫下場館經營的難題，在日本、中國、香港、新加坡等地都曾經營Livehouse的日本Zepp New Taipei臺灣總監本多真一郎認為，場館也有助於地方發展，也有復興經濟的外溢效果，呼籲音樂人與聽眾在疫情復甦時，多多進入場館。
英國Sybil Bell則分享創辦Independent Venue Week（IVW，獨立場館週）的經驗，從2014年串聯17個場館開始，至2021年已有超過百間參與，且橫跨英、美兩國舉辦，讓場館的基層員工倍感鼓勵，讓社區民眾認為「獨立音樂是有意思的活動。」
Sybil Bell同時也發起「Yes We Can」的計畫，平時只有夜間營業的音樂表演場館，在日間成為親職教育與藝術教育的場所，例如英國東北有間場館則包容了一群被學校認定「難以管教」的學生，培訓他們投入音樂創作產業，「人與人連結的需求不會因疫情而消失。」
除了3場論壇，27日的「新生活．新態度」線上交流節以「串流行銷實戰策略」工作坊揭開序幕。美國的講者Sung Cho在2015年創立Chartmetric公司，藉由演算法追蹤上百萬藝人與歌單，為音樂產業提供在串流平臺上有效的數據分析工具。他以韓國偶像團體BTS在平臺上65.9萬個搜尋結果為例，分析如何使用這些網路數據，透過強化歌單整合，以帶來更多曝光機會。
另一場工作坊「音樂自媒體的創意發掘」則由美國Twitch for Musicians創辦人Karen Allen主講，她認為，創作者經常專注內容創作而忽略觀眾感受，其中一個心法即是隨時展現自己正在做什麼，讓粉絲知道暱稱、知道粉絲的故事以及最喜歡的歌曲，「讓其他人可以打擾和參與，這種互動會讓他們覺得有趣！」。
Sung Cho分析，音樂平臺不時出現買榜的狀況，但歌手應該追求穩健經營，因此應該追蹤不同時間跨度中追蹤者的變化，哪些播放清單或播放列表是被長期訂閱，又獲得什麼留言與評價。Karen Allen認為，創作者營利的方式即是在社群平臺增加觀眾與品牌能見度，真正聆聽的人的感受非常重要。
為期兩天的「新思維—國際論壇暨工作坊」為「新常態 (New Normal)」生活的娛樂形態及商業模式做準備，國際論壇從技術與思維角度，討論了音樂展演活動在後疫情時代的趨勢，而工作坊則從行銷宣傳出發，讓音樂工作者專注創作音樂之餘，也能運用全新的品牌經營思維，擴大並延續音樂生涯的可能性。
本新聞稿由臺北市政府文化局提供。
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